Marilyn Monroe en blanco y negro (Veinticinco Marilyns), 1962 / Moderna Museet, Estocolmo, 2014 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc / Artists Rights Society (ARS) New York, VEGAP, Madrid

Primera exposición en Madrid desde una visión renovada de esta corriente artística

Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza, 10 de junio al 14 de septiembre de 2014

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Más de veinte años después, desde la muestra Arte pop del Museo Reina Sofía de 1992, la comisaria Paloma Alarcó, Jefe de Conservación de Pintura Moderna del Museo Thyssen, propone una visión  renovada de esta corriente artística desde la perspectiva que nos ofrece el siglo XXI. Con una  selección de más de cien obras, que incluyen tanto la experiencia pionera del pop británico como el  pop clásico norteamericano y su expansión por Europa, la muestra pretende rastrear las fuentes  comunes del pop internacional y realizar una revisión de los mitos que tradicionalmente han definido al movimiento.

Equipo Crinca "La Salita", 1970. Ccolección de la Fundación Juan March. Museu Fufndación Juan March, Palma de Mallorca / Equipo Crónica (Manolo Valdés), VEGAP, Madrid, 2014

Equipo Crónca “La Salita”, 1970. Colección de la Fundación Juan March. Museu Fundación Juan March, Palma de Mallorca / Equipo Crónica (Manolo Valdés), VEGAP, Madrid, 2014

El objetivo es mostrar que las míticas imágenes de artistas tan significativos como Warhol, Rauschenberg, Wesselmann, Lichtenstein, Hockney, Hamilton o Equipo Crónica, entre otros  muchos, esconden un irónico y novedoso código de percepción de la realidad, un código que aún  sigue vigente en el arte de nuestros días. La exposición cuenta con la colaboración de ‘Japan Tobacco International’ (JTI) y reúne obras procedentes de más de cincuenta museos y colecciones particulares de todo el mundo, con préstamos destacados de la National Gallery de Washington, la Tate de Londres, el IVAM valenciano o la prestigiosa colección Mugrabi de Nueva York, por citar solo algunos.

Más que ninguna otra corriente artística contemporánea, el arte pop capturó de inmediato la imaginación popular. Su aparición a finales de los años 1950 y comienzos de los 60 fue uno de los momentos más liberadores de la historia del arte; y no solo resultó atrayente para el gran público, sino que la radicalidad de su desafío cautivó también a numerosos círculos intelectuales. Frente a la extenuación que provocaba por entonces el idealismo del movimiento moderno, introspectivo y utópico, el arte pop proponía a las nuevas generaciones todo un excitante mundo secularizado en el que ya no existían límites entre la alta y la baja cultura, entre lo artístico y lo profano. Para el pop toda imagen era reciclable, todo objeto era susceptible de convertirse en arte y su verdadero propósito, que el tiempo ha demostrado que lograron, era ofrecer una nueva interpretación de la imagen de la cultura contemporánea.

A diferencia de otras exposiciones antológicas o de retrospectivas de algunos de sus principales representantes que han tenido lugar en los últimos años, mostrando el pop como precedente de muchas corrientes artísticas contemporáneas, el planteamiento que propone la comisaria es enlazarlo con la tradición de la pintura, y reivindicar esas raíces que la propia colección permanente del Museo pone de manifiesto con su recorrido por más de setecientos años de historia de la pintura que culmina con la obra de algunos de los grandes nombres del arte pop.

En esa combinación entre el deseo de ruptura y el respeto por el arte del pasado radica la gran paradoja que esconde el pop. El recorrido temático de la exposición quiere poner de manifiesto esa vinculación, organizado las salas según los géneros clásicos del retrato, la naturaleza muerta, la pintura de historia o el paisaje, y mostrando conjuntamente la obra de las grandes figuras del pop norteamericano y británico con la de artistas españoles, italianos, alemanes o franceses que compartieron una actitud similar.

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Collage, publicidad, cómic

En 1952 se crea en Gran Bretaña el Independent Group, formado por críticos, arquitectos y artistas en torno al Institute of Conemporary Arts de Londres, que pretendía estimular el debate artístico, reflexionar sobre las imágenes de la cultura popular y fomentar un tipo de obras que se alejaran tanto de los lenguajes de vanguardia europeos como del expresionismo abstracto americano. Aunque se adjudica al crítico Lawrence Alloway la elección del nombre de ‘pop’, fue otro miembro del grupo, Richard Hamilton, quien introdujo por primera vez el término en su famoso collage de 1956 Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? (¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes y tan atractivos?) y quien, un año después, lo definiría como un arte “popular, efímero, prescindible, barato, producido en serie, joven, ingenioso, sexy, divertido, glamoroso y un gran negocio”, en una carta dirigida a sus compañeros de grupo, convirtiéndose en su lema.

Roy Lichtenstein "Mujer en el baño), 1963 / Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid / The Estate of Roy Lichtenstein / VEGAP, Madrid, 2014

Roy Lichtenstein “Mujer en el baño”, 1963 / Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid / The Estate of Roy Lichtenstein / VEGAP, Madrid, 2014

La exposición presenta al principio de su recorrido una versión de 1992 de este famoso collage de Hamilton, en el que un culturista sujeta un enorme chupa- chup con la palabra POP (un fragmento de la marca de caramelos American Tootsie Roll Pop) en un interior moderno, con una televisión, un cómic enmarcado, un magnetofón, una aspiradora… todo lo necesario en los hogares de la cultura de consumo y que, para la Inglaterra de entonces, era un mundo idílico solo conocido por las revistas americanas. El escocés Eduardo Paolozzi formó parte también de este grupo de pioneros británicos del pop; entre 1947 y 1952 realizó su serie de collages Bunk!, del que se presentan tres ejemplos realizados con revistas americanas de papel cuché, tiras de cómics o anuncios, y que se enmarcan en la misma línea de transformar el glamour americano en una imagen irónica. Con los collages de Hamilton y Paolozzi podemos considerar inaugurado el arte pop, que no comenzaría su andadura en Estados Unidos hasta los primeros años de la década siguiente.

Andy Warhol se convirtió en artista a través de la publicidad y del cómic. Después de trabajar como ilustrador y publicista para revistas como Glamour o Harper’s Bazaar, o para la firma de zapatos Miller Shoes, en torno a 1960 y por caminos paralelos, tanto él como Roy Lichtenstein comienzan a representar personajes de cómics en sus pinturas, agrandando los dibujos de las viñetas y convirtiéndolos en obras de gran formato.

Utilizando las imágenes y técnicas de las comic strips (la característica trama de puntos estarcidos o técnica Benday pero aplicada manualmente) Lichtenstein anulaba la textura y el gesto pictórico de sus predecesores abstractos y exploraba a la vez las complejas conexiones entre el arte y la cultura popular. Aunque a simple vista sus obras parecen simples viñetas agrandadas, al ser analizadas detenidamente, observamos un personalísimo retrato de la nueva América. Look Mickey, ‘Forget it! For get me!, Vicki! o Mr. Bellamy, que abren la exposición, son un magnífico ejemplo de cómo logra transformar imágenes banales en auténticas obras de arte.

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Mitos

Hollywood fue una máquina de fabricar mitos y muchos de ellos se convirtieron en motivos para los artistas pop: el italiano Mimmo Rotella nos muestra a Liz Taylor como reina del Nilo en Cleopatra; Ray Johnson, uno de los primeros en introducir a las estrellas de la música y el cine en unos pequeños collages que realizo en los años 1950, inmortaliza a Marlon Brando o a James Dean. También los artistas británicos supieron combinar la fuerza mediática de los grandes ídolos con determinados aspectos de su cultura popular y crearon sus propios mitos como The Beatles (The 1962 Beatles, de Blake) o The Rolling Stones (Liberación, de Hamilton).

Peter Blake. The 1962 Beatles,  1963-1968. Pallant House Gallery,  Chichester, Reino Unido. Donación  Wilson a través de The Art Fund

Peter Blake. The 1962 Beatles,
1963-1968. Pallant House Gallery,
Chichester, Reino Unido. Donación
Wilson a través de The Art Fund

Warhol fabricó iconos transformando la identidad de sus personajes en una imagen congelada y despersonalizada a través de la manipulación de la fotografía. En sus retratos de Marilyn Monroe y otras celebrities, convertidas en mitos por el gran público, realizó una novedosa propuesta sobre la relación entre imagen y prototipo a través del nuevo procedimiento de la serigrafía fotomecánica. Además, como vemos en Marilyn Monroe en blanco y negro (Veinticinco Marilyns), la permanente repetición de la imagen potencia aún más la figura del mito, convirtiéndolo en motivo de veneración.

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Retratos

Con la irrupción del pop asistimos a una nueva reinterpretación del retrato. Los media y los procedimientos mecánicos cambiaron las relaciones entre la subjetividad individual y la conciencia de masa, y los artistas rebasaron los límites del original al reinterpretar imágenes preexistentes; un nuevo y deliberado compromiso con la propia idea de imagen que podría interpretarse como el cuestionamiento de la individualidad a favor del estereotipo o del anonimato.

Andy Warhol creó, a su medida, otra versión de sí mismo basada en la simulación. No solo cambió su nombre, sino que también borró su pasado y transformó su apariencia física. Así, en sus innumerables autorretratos se enmascara en diferentes imágenes de sí mismo que sustituían la real. A partir de 1968 la reflexión sobre la muerte se introdujo en su pintura y sus nuevos autorretratos se transformaron en verdaderos memento mori.

La exposición reúne un buen número de ejemplos, como Autorretrato estrangulación o Autorretrato con cráneo.

Numerosos retratos y autorretratos pop, utilizan con frecuencia imágenes fotográficas o recortes de revistas para su elaboración; así lo vemos en Autorretrato con guitarra azul de David Hockney, en Retrato de David Hockney en un interior español de Hollywood de Peter Blake o en Hombre reflejado de Allen Jones.

“Paisajes, interiores, naturalezas muertas”, “Erotismo urbano”, “Pintura de historia” y “Arte sobre arte”, completan el recorrido de esta exposición junto a una serie de actividades complementarias.

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